Letture  oblique 3

SHOJI  KAORU, Attenta, cappuccetto rosso, Einaudi 2024

Traduzione e cura di Alessandro Clemente degli Albizzi

MONO NO AWARE

In tempi recenti moltissime sono le traduzioni di opere letterarie giapponesi, noi lettori ormai abituati alle decine di romanzi che declinano storie di gatti e caffè sui tavoli dei librai. Fortunosamente, in quei paraggi vengono disposti i classici dei classici del sol levante a garantirci scelte meno pret-à-porter. Allora capita di imbattersi in romanzi in grado di sorprendere tanto per le vicende raccontate quanto per lo stile. Il romanzo in questione in realtà è ‘nuovo’ riguardo traduzione italiana, ma proviene da molti decenni addietro nella sua prima uscita in Giappone. Attenta, cappuccetto rosso di Shoji Kaoru appare nel 1969 e nello stesso anno vince il prestigioso Premio Akutagawa , diventando in breve un best seller. Racchiusi nell’unità di tempo di un giorno non qualsiasi (9 aprile 1969, rivolta studentesca all’università di Tokio) vengono seguiti i casi esistenziali di un adolescente come tanti, in definitiva si allestisce un sincero immaginario personale con incursioni non di poco conto in quello collettivo. I sentimenti sono quelli tradizionalmente civili e culturali della tradizione giapponese, volta volta ampliati o rimpiccioliti attraverso gli accidentali accadimenti esterni al pari dei momenti emotivi giovanili. Insomma un’educazione sentimentale in equilibrio fra fatti minimali (un giro in bicicletta, una medicazione al piede, la sessione sportiva, l’appuntamento con la fidanzatina) e grandi fantasticherie come il sesso e il vero amore. È l’avventura universale di chi vuole entrare nel mondo adulto come si sale su una giostra, un piede dentro ed uno fuori nella rincorsa, equipaggiato con tutte le riflessioni o indecisioni del caso: “Avevo già iniziato ad andare giù, sempre più giù, verso il fondo”. La domanda ricorrente è se iscriversi o meno all’ università, proprio nel giorno in cui una manifestazione blocca qualsiasi attività scolastica. Il sessantotto con il suo portato di immaginazione al potere e rivendicazione dei propri intenti non ha lasciato indietro il Giappone. Il protagonista si confronta con i coetanei nelle differenze comportamentali, si perde e si ritrova pericolosamente, non capisce se acquisire o meno lo status di ‘bravo ragazzo’, prende le misure con tanti limiti morali. Questa effervescente ricerca, composta di fine ironia e sincero stupore nonché intessuta di riflessioni su temi universali e modelli di riferimento, ci ricorda tanto l’indimenticabile Holden Caulfield di Catcher in the rye quanto Yazaki Kensuke in 69 sixty-nine. Fukuda Shoji, vero nome dell’autore che mutua lo pseudonimo dal suo personaggio, scriverà ancora tre romanzi a completare la quadrilogia per poi scomparire dalla scena letteraria. Intanto ha esplorato con fine sensibilità i fatti quotidiani di un adolescente, fra introspezione e riverberi di quella temperie storica.  Se quest’ultima è maggiormente delineata da Murakami Ryu nella storia di Yazaki, qui le vicende sono attraversate dal tradizionale mono no aware, con emozioni spesso velate dalla tristezza che accompagna l’dea di impermanenza. In ogni caso Fukuda svolge l’intera vicenda con uno stile molto personale e non è in debito con nessun predecessore né contemporaneo. La scrittura in Attenta, cappuccetto rosso corre veloce e scivola via come il ragazzino in bicicletta, alternando momenti alti e momenti bassi di una partitura perfettamente orchestrata. Non mancano riflessioni letterarie, tutte dell’autore che prende il nome dal suo protagonista, come non manca una costante e bisbigliata “lotta al valore assoluto”. Perché l’adolescenza è ricerca, affanno, ansia e tormenti, tensioni verso il punto più alto. Quando poi una “piccola deliziosa perditempo” compare sulla scena all’improvviso, aiutata da Shoji nell’acquisto della favola Cappuccetto Rosso, sarà proprio lei la casuale chiave di volta della giornata e l’indicazione eventuale del percorso a venire: “ Come d’incanto, mi era tutto chiaro. E sull’onda di tutto quel sentire mi sono detto: sarai come il mare, un uomo immenso e dolce come il mare”.

Elisabetta Beneforti

Bartolomeo Bellanova, Perdite, puntoacapo editrice, 2022

Prefazione di Maria Luisa Vezzali

 Un passo avanti dentro la vita risulta contemporaneamente un passo avanti verso la morte. Nascita e scomparsa: due  facce della stessa medaglia sulla quale è inciso  il nostro umano, inesorabile, condiviso destino.  Bartolomeo Bellanova nella sua intensa raccolta intitolata Perdite (puntoacapo editrice, 2022) scrive che i due volti finiscono quasi per specchiarsi, : «Il buio è luce di altro colore / la morte è vita di altro spessore» . Non sono previsti sconti né rinvii, le nostre esistenze, trascinate dal divenire, approdano tutte sulla stessa sponda: «Non c’è prescrizione / Non c’è appello / Non c’è permesso per buona condotta». Il confine fra aldiquà e aldilà si può rivelare drammaticamente labile e sottile, una frontiera porosa e senza mura, una barriera che non separa: «Oltrepassare la soglia tra qui e di là / è breve / è fruscio di lucertola / davanti ai piedi».

Per l’autore il divenire,  personale e collettivo, biologico e storico, si presenta con i tratti prevalenti di un progressivo e ritmico decadimento, come una «naturale marcescenza», come decomposizione («il nostro decomporci un po’ per giorno»).  La strofa di una poesia, intitolata Lo scoiattolo, spietatamente lucida e allo stesso tempo vibrante di commozione dice: «Tra poche ore i corvi faranno scempio / della tua irrequietezza  / e divisioni di formiche / assedieranno affamate / i tuoi pensieri rimasti appesi / tra i tronchi di due querce».

Il giudizio  di Bellanova sul mondo attuale si potrebbe probabilmente definire radicale. Il suo sguardo tende a cogliere, a volte in maniera acutamente visionaria, discrasie, anomalie, contraddizioni, contrasti, rischi, ingiustizie, nefandezze, disagi, desolazioni,  dolori e sofferenze («occhi rossi di pianto») della realtà in cui siamo immersi e che ci circonda.  Nella sua illuminante Prefazione, la poetessa Maria Luisa Vezzali sottolinea che in questo libro le poesie  «sono, in primis, un palese atto di denuncia nei confronti di un mondo spogliato di umanità, che si regge sui principi di una violenza sistemica».

Il presente è inquinato da «parole infestanti» e da tubi di scappamento («Il simposio dei tubi di scappamento / intrattiene i pedoni / lungo i viali di circonvallazione»); l’ambiente è assediato da «sacchi di plastica» e discariche, da «macerie di cantieri sbarrati», da una «melassa di veleni», dalla siccità («È una bestemmia alla nostra madre / l’acqua salata che risale la foce / spacca le labbra dei campi / e prosciuga la pubertà del frutteto»). Certo,  il tono è tendenzialmente a tratti apocalittico, estremo e pessimistico, soprattutto nei confronti di un futuro già ipotecato, nella sua fisionomia e nel suoi sviluppi, dall’oggi. Riporto per intero la poesia che, con amaro paradosso, chiude il volume:

Falso indizio

Quando tra migliaia di anni

silenziosi robot asessuati

scaveranno sotto a decine di metri

di fogliame e liquame,

tra pezzi di viadotti o tralicci

ci troveranno abbracciati,

marmorizzati fossili a spirale,

umane ammoniti da collezione

e attribuiranno all’eccesso d’amore

la causa della nostra estinzione.

In realtà è proprio nell’amore che l’autore rintraccia e individua uno spiraglio in prossimità di una parziale salvezza; l’amore si manifesta come vicinanza, unione («con le mani intrecciate / possiamo plasmare mondi»), condivisione, dialogo («aggrappati alla mia voce»), ascolto.

Scrive con  puntuale sintesi Maria Luisa Vezzali: «Amore, Natura, Poesia sono la triade positiva  di questa raccolta, ciò che alla perdita si oppone e che può salvare, soprattutto grazie al nodo virtuoso delle loro interrelazioni».

Giancarlo Baroni

   Esistono molteplici ragioni per volersi appropriare di questo agile libro di Giancarlo Baroni (Come lucciole nel buio, puntoacapo Editrice). Ad iniziare da quella che può parere la più futile: la intrigante bellezza della veste tipografica. La copertina, la quarta di copertina e il dorso riproducono un particolare di un quadro di Cezanne (Le mele e le pere): una densa velatura dai toni autunnali, freddamente carnali e un po’ avvolgenti, con quella luce impastata e pingue che sembra provenire dagli oggetti stessi. Quasi ti costringono, quelle tinte seducenti, ad aprire il volumetto, a perderti nella lettura, complice l’invitante filo d’Arianna delle  denominazioni dei capitoli, a partire dal sottotitolo: Dieci riflessioni sulla vita e sulla letteratura. Ma Cezanne potrebbe costituire soltanto la sontuosa porta d’accesso slegata dal resto dell’edificio. In realtà ha diffuso i suoi colori cremosi e olivastri nelle stanze della casa. Il pittore non ha forse scritto che «i colori sono l’espressione di questa profondità alla superficie, salgono su dalle radici del mondo.»? E Baroni, con questo libro, sembra proprio guardare “alle radici del mondo”, spesso negli anfratti bui dell’ontologia, in attesa che dal profondo risalga la luce fredda e intermittente di sparute lucciole a gratificare di un significato, almeno provvisorio, il nostro esistere e l’umano destino. Oppure, col medesimo atteggiamento conoscitivo, si interroga – e ci interroga - su cosa sia l’arte e che ruolo giochi tra i bisogni dell’uomo e nella società contemporanea.

   Baroni potrebbe condividere le parole con cui si aprono gli Essais di Montaigne: «perché è me stesso che ritraggo […] sono io stesso la materia del mio libro». Si tratta infatti di «un libro di autocoscienza laica», per dirla con Auerbach, un’opera nella quale lo scrittore, con esibizione di umiltà, ci presenta «buona parte di quello che ho imparato» in una lunga vita e che condivide col lettore quasi con pudica ritrosia e non senza  inconsci propositi catartici e di autoanalisi. Questa operazione sfida un poco le convenzioni culturali, dà importanza a quello che, in tempi di rimozione e saperi fluidi dai bordi indefiniti,  pare non importare più e riscopre un mondo, prossimo e accessibile, ma il più delle volte lasciato giacere nella penombra perché nessun raggio luminoso (fatta eccezione per la lettura fideistica) può rivelarlo intero.

   E’ appunto l’opera, lieve e densa ad un tempo, di un autore curioso dei molteplici aspetti del reale e che non si vergogna di scandagliare i misteri dell’esistenza, di tenere gli occhi bene aperti davanti alla voragine oscura della morte, di chiedersi il perché del dolore e della gioia, di indagare i limiti della conoscenza e le ragioni dell’arte. Baroni non ha alcuna verità preconfezionata da propagare, interpella se stesso, esibisce con fierezza i propri dubbi, le proprie inquietudini esistenziali, dichiara i propri amori. Emerge limpida la sua passione per la letteratura e in particolare per la poesia, la più inutile e la più indispensabile (e faticosa) delle forme d’arte, nata, come ci ricorda Fernanda Romagnoli, dal connubio tra «colomba e serpente», magari «malattia endemica e assolutamente incurabile», come sosteneva Montale, ma strumento privilegiato, per Baroni, per interrogare il mondo ed esserne interrogati. Assieme al filtro letterario che l’autore sembra utilizzare per leggere la realtà e il proprio accidentato paesaggio interiore, traspare pure, al di là della discrezione, il rimorso velato ma sentito del peccato di poetare anziché vivere.

    Inseguendo queste Lucciole, il lettore troverà una serie cospicua di ricordi letterari, citazioni di autori che vanno dall’antichità ai giorni nostri. Non si tratta di un esercizio artificioso e meramente enciclopedico, ma di un processo naturale: quelle immagini fanno parte della coscienza di Baroni, del suo panorama interiore, del giardino fiorito o riarso dei suoi ricordi e delle sue passioni  allo stesso modo dei suoi sentimenti; perciò la sua realtà intima, al momento di dichiararsi, ricorre naturalmente ai ricordi letterari. Tornano in mente le parole di Machiavelli nella Lettera a Francesco Vettori a proposito del rapporto con gli scrittori antichi: «dove io non mi vergogno parlare con loro, e domandoli delle ragioni delle loro actioni, e quelli per loro humanità mi rispondono». Da Omero a Caravaggio, da Conrad a Patrizia Cavalli, Baroni sembra voler stabilire un ideale contatto fraterno con artisti e letterati, persino cantautori, e interrogarli, condividere passioni, insicurezze esistenziali e comprendere come essi hanno offerto provvisorie, personali risposte agli stessi interrogativi che assillano la sua coscienza. E nel rivivere entro la consolidata impostazione di un classico – o di un autore contemporaneo - la sua esperienza interiore trova come una conferma e una legittimazione solenne e nello stesso tempo una chiarificazione e una sorta di purificazione.

  Infine, questo volume «a la gaetta pelle» sembra volerci suggerire che di questo vasto universo, del significato del nostro esistere, noi cogliamo talvolta sparute luci fredde, come quelle delle lucciole, che ci danno l’illusione di piccoli barlumi che vincano il buio. Ma quei puntini persi nell’oscurità non riscaldano, non illuminano, sono leggeri e ingannevoli al pari della bellezza. Osservati però nelle notti d’estate, accrescono il mistero incommensurabile del mondo e forse sono lì per dirci che l’intimo segreto del loro vagare  sfidando le tenebre è il volo stesso.

                                                                                                               Fabrizio Azzali

Francesca  Anselmi, Nel lento fluire delle ore, Edizioni Gazebo

Nel lento fruire delle ore è la seconda pubblicazione di Francesca Anselmi per le edizioni Gazebo.  Conosciamo bene il lavoro attento e qualificato nella scelta della poesia da parte della poetessa Mariella Bettarini. La copertina è impreziosita da una fotografia di Gabriella Maleti, fondatrice lei stessa delle edizioni.

Questa raccolta di Francesca Anselmi racchiude ed esprime un fervore e fermento di parole, attimi fugaci in cui il verso nasce da un silenzio taciuto.

La poesia dell'Anselmi, traspare un bisogno di rinascita, un desiderio di ricostruire una "nuova Francesca".

" Dalle rovine del mio essere

   ho ricostruito la mia essenza.

   senza un progetto, senza una scadenza,

   mi sono ridisegnata.

  Inconsapevole, disattenta, mutavo.

  Inconscia artigiana di me stessa,

  creavo ciò che mai ero stata. "

Un continuo lavorare nel proprio inconscio, attraverso un viaggio interiore ricco di domande, di propositi. Nella ricerca "del senso e del non senso". Un navigare nei ricordi del passato: siamo per poi/ non essere più gli stessi./ Mentiamo evolvendoci,/i gusci dei nostri cambiamenti./Ci comportiamo/ nel lento fruire delle ore/ e il gioco col tempo/ diviene inevitabile.

In queste poesie si legge un persistente bisogno di speranza, di una luce:

Fulgide stelle

siete nella notte

luce che conforta.

Se pur nascoste

la vostra eco luminosa

arriva a me.

Il bisogno di una presenza amica pronta ad illuminare, a riempire un vuoto interiore. Francesca Anselmi giuoca con le parole per gridare ad un mondo freddo, indifferente, silenzioso....

                        "amatemi per tutto quello

                          che vi trattiene dall'amarmi"

Ma c'è anche l'amore che lega in un abbraccio continuo, che si tramanda nella bella poesia dedicata alla figlia Greta. L'amore che placa l'ansia che dona forza e speranza. Una speranza che nasce dallo stupore: "Guardo il cielo/la sua vastità./Infiniti silenzi lo compongono./Resto così,/inebriata da tanta bellezza."

Una speranza che grida al mondo l'amore per il viaggio continuo di ogni uomo, nonostante le battaglie per essere migliore. Un elegante speranza di comprendere la vita diceva J. Borges.

Paolo Carnevali

 

Henry Ariemma, Un gallone di kerosene, Transeuropa, 2019

Stiamo leggendo un canto lirico e riflessivo che racconta i differenti volti dell'esistere, attraverso sezioni che valgono come parentesi e tasselli di un sentito dialogato. I paesaggi urbani si alternano con una natura terrigna, più interprete che mero sfondo scenografico, e sono entrambi popolati da personaggi sinceri e perdenti. In questo parlato piano piano emergono affetti amichevoli, gli alti e bassi del vivere comune, le interrogazioni sospese di più ritorni e partenze. Alla sua terza raccolta poetica, Ariemma consolida una versificazione sempre più matura, con echi importanti della tradizione italiana.

Erano lunghe figure i tuoi disegni,

occhi ubriachi felici al sorriso

aperto un mondo,

linee decise per motore

al solo cuore, sguardo per carpire

fermezze in mani arcobaleno...

E i vestiti sono state le mie favole,

creta a stringere città per parole nuove,

indovinelli al navigare

pesce in carta di scatola blu

brillando polveri, oro ovunque

sulla pelle nella fronte e palpebre: luce

di questi sogni incollati ai tuoi,

due monete fissate insieme nel gioco di sempre.

*

Non mi hai dato tempo per incontrarti

sei andato con sorriso e sguardo alle parole

non dette, portando l'esempio mancato al togliere

mondo materiale, ornamento e gesto che ora ha fine.

Non mi hai dato tempo per incontrarti

sei andato con sorriso e sguardo in voce forte

senza l'aspettarti storie sbagliate, disimpegno

mancato coro parlando d'alberi, cielo e mare

ogni dove cuore al solido freddo.

Tolgo cento miei giorni a non essere

solo, a tradurmi tuoi sapienti libri,

capire se di interesse puoi parlare adesso

stessa indifferenza al dolore che mi libera.

*

Non avere nulla, è meglio di vivere?

Abituati a non avere niente

perpetrando non vivere,

non amore, mancato possesso

senza ragionare fede allo scopo

ultimo che premi questo dover rinascere

nuova pagina consapevole a quella scritta,

sovrascritta specchio in ombra, spento sole?

E' chiamare vetri i cristalli brillanti

perché persi inestimabili?

Henry Ariemma è nato a Los Angeles nel 1971 e vive a Roma. Suoi componimenti sono apparsi su riviste e litblog specializzati. Per Ladolfi ha pubblicato le raccolte di poesie Auruspice nelle viscere (2016) e Arimane (2017).

ANTONIO BACCIOCCHI

GIL SCOTT-HERON

il Bob Dylan nero

VoloLibero, Milano, 2018

I ritratti fotografici di Gill Scott-Heron ci consegnano uno sguardo acuto, ironico e invitante, accompagnato da quella passione e sofferenza dove sono racchiuse radici e propaggini della black music. Lui giovane o lui invecchiato anzitempo, lui sul palco al piano o lui in intensi primi piani, sempre fedele a sé stesso come ai voli e alle cadute che l’hanno accompagnato. A corollario di queste immagini bastano davvero alcune sue parole un anno prima della morte, parole che valgono da manifesto di un intero percorso: La musica ha il potere di farmi sentire come niente altro. Mi dà una certa pace per un po’. Mi riporta a chi sono veramente. Il libro di Antonio Bacciocchi è un testo necessario, stesura di sequenze arte-vita e tributo all’inestimabile lascito di musica e parole. Scott-Heron nasce a Chicago e si trasferisce giovanissimo a New York, inizialmente nel Bronx e poi nel quartiere ispanico di Chelsea. Dopo l’uscita del suo primo romanzo The Vulture (cui seguiranno negli anni molti libri e raccolte di poesia) si iscrive all’Università della Pennsylvania e lì incontra Brian Jackson, per lungo tempo suo collaboratore musicale e sodale in numerose vicissitudini. Arriveranno in seguito i lavori con importanti produttori della scena jazz, tour e concerti, matrimoni e divorzi, prese di posizioni non sempre gradite, i vari progetti con l’Amnesia Band, il suo inferno sulla terra chiamato tossicodipendenza. Tutto questo per dare vita a un poeta appassionato e ad un musicista tanto rigoroso quanto esploratore. Graffiante e irridente per urlare i fatti storti nel mondo a proposito di prevaricazioni e discriminazioni. Gil Scott-Heron è stato costantemente sospeso fra lacrime e sorrisi, degna espressione del connubio storiacce-vitalità estrema, supportato da quell’ironia che gli faceva da scudo e da spada. Alle parole fondeva sonorità più disparate che vanno dal classico blues al funk, dal jazz al R&B, fino alle incursioni nell’acid jazz e nel soul. Ma anche precursore di rap e hip hop negli spoken word, poesia pura su ritmi scanditi nel solco dei Last Poets o dei losangelini Watts Prophets. Un esempio per tutti, la celeberrima The revolution will not be televised . Lui che non ha mai mancato di raccontare le sue rivoluzioni o se stesso, temi indiscutibilmente offerti per venire condivisi. La vita nel ghetto, l’essenza della cultura afroamericana, il cammino difficile dell’uomo ancora prima dell’artista, gli omaggi a Coltrane e Lady Day, il carcere come ostica dimora. Ci restano brani pieni di bellezza e fisicità, che un’accurata discografia compresa nel libro di Bacciocchi ripercorre in tutto il loro intrinseco valore. E poi la definizione contenuta nel titolo, “il Bob Dylan nero”, dalla quale Scott-Heron prese sempre le dovute distanze. Aveva ragione, e non solo per la differenza degli strumenti suonati o per le caratteristiche vocaliche, come teneva a specificare. Diremmo noi oggi che Dylan è stato uno straordinario menestrello beat, mentre Gil si è lasciato trascinare fino al limite della sua ricerca per attingere a parole che valgono un’intera poetica. Senza dubbio si può avvertire un’urgenza di scrittura e un’autenticità che non viene mai meno. Dai primi lavori ricchi di accensioni sonore degli anni ’70 all’ultimo I’m new here , così intenso e commuovente nel suol blues mesciato di elettronica, Scott-Heron ha lasciato un patrimonio artistico e ha influenzato più di una generazione di musicisti e di poeti. Grazie al libro di Antonio Bacciocchi abbiamo un motivo in più per accendere lo stereo e calarci in nuovi ascolti di Gilbert il poeta.

Elisabetta Beneforti

Antonio Merola, F. Scott Fitzgerald e l'Italia, Ladolfi Editore.

«Se esiste in Fitzgerald una doppiezza è proprio verso Zelda Sayre: il lavoro continuo contro la pazzia, ma anche il dialogo con essa; la sublime coincidenza tra uno spirito di conservazione e uno di distruzione. Era impossibile per lui proseguire la vita senza la compiutezza dell’amore: o meglio, Fitzgerald lavora, e lavora sodo (anche fino all’infarto), ma si muove nella società da allora in poi come il fantasma di se stesso; lavora per pagare la cura ormai senza speranza di Zelda. E se tornerà a scrivere con Gli ultimi fuochi, è per cercare lei in un mondo altro: lontano dalla clinica e ancora più lontano dalla realtà».

F. Scott Fitzgerald e l’Italia ripercorre la storia della ricezione editoriale e critica che il nostro paese ebbe nei confronti dell'opera dello scrittore americano: dalle prime traduzioni di Tenera è la notte e Il Grande Gatsby, che vennero ignorate dal pubblico, fino alla riscoperta autoriale nel secondo dopoguerra e alle nuove edizioni italiane che ne seguirono, per arrivare alla conclusione che «dal dialogo con se stesso e con Zelda nasce cioè tutta l’opera di Fitzgerald».

Ma siamo davanti anche a un viaggio nella poetica americana: se infatti Elio Vittorini fu il primo a parlare espressamente di poesia come genere unico per inquadrare la letteratura statunitense nella grande antologia Americana, paradossalmente sarà al contrario il realismo di Hemingway a figurare come miglior esempio di questa visione. Sarà poi altra la critica italiana che, più avanti, parlerà della scrittura di Fitzgerald come «decisamente lirica» e del romanziere americano come «poeta».

F. Scott Fitzgerald e l'Italia allora non rielabora solo la sfortunata vicenda editoriale dello scrittore nel nostro paese, ma ci pone davanti una domanda importante: può un romanzo considerarsi poesia?

       Antonio Merola, F. Scott Fitzgerald e l'Italia, Ladolfi Editore, Collana Smeraldo, 2018.

Rugìle 

Storie di amore, storie di sesso senza tabù e di passione, storie raccontate alla fine di una vita con la lucidità di chi non ha più nulla da perdere.

Storie di una malattia, della guarigione e di ciò che rimane, dei segni sul corpo e nello spirito.

Storie di vita fra Firenze, Detroit e Vilnius. Storie di donne italiane, giapponesi, americane e lituane.

Ma soprattutto domande. Domande per capire il senso di esistere che non è mai quello che appare in superficie perché ve n’è uno più profondo che non si vede ma prepara e organizza la realtà di questi personaggi ai limiti del normale, che vivono di sole passioni e istinti e di basso ventre.

L’istinto è il vero protagonista di questo romanzo. L’istinto che di primo acchito non è spiegabile, non si riduce a nulla di razionale, tuttavia ha una sua spiegazione che va oltre il mondo in cui viviamo, che fa parte di più universi e si origina dall’infinitamente piccolo.

E’ un libro esistenzialista che impone domande e messaggi da comunicare come erano una volta i romanzi e gli scritti degli esistenzialisti quali Camus, Sarte, Kierkegaard, Jaspers, o i film dei maestri del cinema come Bergman, Godard, Antonioni…

E’ un libro controcorrente che mette in primo piano i contenuti e che spiega l’esistenzialismo e la tragicità del vivere umano non più con l’assurdo ma con la fisica quantistica.

Fabrizio Ulivieri, Rugìle, L' Erudita, 2016.

Un brano tratto dal libro

Rientrò in casa quella notte, in cui tutto era accaduto e aveva perso la sua identità per acquistarne una più profonda.

Il giorno era stato caldo, poi mentre camminavamo per la Katedros aikštė [1] il tempo era d’improvviso cambiato.

Un freddo autunnale era arrivato rabbioso dal nord come se qualcosa di terribile stesse per accadere.

Il sole era tramontato veloce e il cielo si era fatto rosso.

Raffiche di vento, alberi irrequieti. Temperatura in diminuzione. La piazza aveva acquistato un aspetto solenne come davanti ad un’imminente tragedia.

Poi era cominciato a piovere ma in modo calmo e uniforme come da noi in novembre e non impetuoso come mi sarei aspettato.

Il vento si era calmato. E gli alberi avevano ripreso la loro staticità.

Ci eravamo rifugiati al centro commerciale Gedemino 9, che avevamo raggiunto correndo.

Chiamammo un taxi, ma sembrava che tutti quel giorno volessero un taxi e dovemmo aspettare un buon quarto d’ora prima che arrivasse.

Ci facemmo portare a casa sotto quella pioggia senza soluzione di continuità.

-       Stanotte voglio fare la puttana – mi disse non appena fummo rientrati in casa. Fu così che cominciò quella serata dettata da un impulso il cui fondamento ho cercato di spiegare sopra.

Quella frase suonava per me irresistibile perché aveva la forza dell’entanglement, una forza connettiva che agisce da profonda distanza. Io avrei voluto dolcezza quella sera ma quando diveniva così provocativa tutto in me si metteva in moto. Il sangue ribolliva, la pelle traspirava meglio, i muscoli entravano in tensione, le ossa si facevano pesanti, il pene aveva un’erezione come pietra.

Non riuscivo più a dirle di no.

Era troppo forte quella forza.

E quella era la mia ultima notte a Vilnius. L’indomani sarei ripartito.                                                         

Rugíle voleva collassare a modo suo. Voleva farmi sentire quella forza che in lei era incontenibile. Voleva trasmettermela.

Fabrizio Ulivieri

Biografia

Scrittore fiorentino per elezione, Fabrizio predilige un tipo di scrittura riflessiva, provocante, urtante talora, ma ritmica, scorrevole e che prende il lettore e lo obbliga a seguire il suo stile composito. Si ostina a sorprendere con i contenuti anziché con le trame vuote.
Ha pubblicato "L'eterno ritorno" (Akkuaria), "Storia di Pelo il ragazzo che vinse la Milano- Sanremo" in Dizionario del ciclismo italiano (Bradipolibri), "Albert Richter un'aquila fra le svastiche -  Il ciclismo tedesco tra nazismo ed esoterismo (1919 – 1939)" (Bradipolibri), "Il culo e la riduzione fenomenologica" (Montag Edizioni), "Il Ritorno che non volevo" (Amazon), "Il sorriso della meretrice" (David e Matthaus). 
Ha pubblicato alcuni articoli di linguistica e grammatica sul prestigioso Studi di grammatica Italiana edito dall’Accademia della Crusca e sulla rivista tedesca Zeitschrift für italienische Sprache und Literatur. E’stato inoltre apprezzato collaboratore de ilciclismo.it, per cui ha scritto racconti, cronache, storie, pezzi satirici.
Durante gli anni 2011-2013 anche seguìto critico cinematografico per ilpolitico.it

Partita (Penelope)

di Simone di Biasio, monologo in versi (Fusibilia, 2015, con dipinti di Stefania Romagna e traduzione in greco di Evangelia Polymou)

Dalla nota dell’autore nel libro:

Ripartiamo da Partita; ma sì, in fondo non è mica solo un match calcistico, è anche il participio passato di “partire”. Però è al femminile, la partita è una donna. Penelope. Penelope? Che ci facciamo con la pappetta pronta della donna/nonna (sarà pure invecchiata in vent’anni…) che fa la tela a forma di calza e addirittura fa e disfa, il giorno e la notte. Pazza. E partita. Penelope “partita”. Penelope è mai partita? Nel mio caso sì. E non vuole nemmeno tornare, o almeno così scrive a Ulisse. (...) Penelope vuole soltanto partire, mica abbandonarlo. Come la differenza tra dimenticare e scordare, dove quest’ultimo deriva dal latino “cuore”: “lontano dagli occhi, lontano dal cuore…”. Pure Ulisse voleva soltanto conoscere, mica abbandonarla. Tant’è vero che torna. Certo, ci mette un pochino di più del previsto, ma torna. Penelope gli prepara una cenetta? No, Penelope prepara una scenetta. Lo accoglie, come tradizione c’insegna, le si sciolgono le ginocchia. Alt: emozionatissima? Certo, ma mi suggeriscono che in greco quel verbo significa anche “uccidere il guerriero in battaglia”.

4 movimenti estratti dal libro.

Voce (Penelope)

Lascio la terra dell’ulivo,/ la grande casa che accolse le mie pene/ lo spazio che mi fu uomo, compagno e destino:/ ho combattuto anch’io la mia guerra/ e senza inganni ho trionfato sul campo/ che fa più schiavi della morte/ ed è più nero delle notti in cui mi lasciasti sola – sola./ Mi riprendo il mare e il tempo,/ la vastità m’attende oltre la gabbia.

*

a quale fine ti condannano?

quale spettacolo indegno di nota

per cui inventare ancora una tessitura?

almeno in questo intervallo minimo

sàlvati da tanta ignominia

sugli spalti del grande stadio del mondo

dove gli ultimi avanzi dei Proci

stanno formando una squadra imbattibile

e tu, tu... a fare e disfare la rete

nella infinita partita del tempo

nella infinita partita del tuo eroe...

*

il viaggio indicasti a me lanciando ogni giorno

un grido un filo la voce come tela

io tuo burattino aprivo golfi come le tue cosce

ammaravo nelle insenature del tuo petto

col ventre a favore approdavo dentro le case

ho sfondato porte che credevo tue

entravo sempre in parti annunciate da acque rotte

non sapevo quali figli stessi mettendo al mondo

*

al ritorno ti mostrai i talismani potenti

la pozione che mi fece porzione d’uomo

e i miei compagni tutti perduti

tu ascoltasti in silenzio inginocchiata

questa foltissima storia dell’assenza

ad una ad una le donne che mi porsero un giaciglio

i re e le terre che mi resero il favore del viaggio

e io che non avevo più inganni da dire

restavo attonito, ospite assente:

ogni calice che cingevo era la vita tua

l’ampiezza del nettare era la tua vita

tutta cinta di lacci e di spilli insidiosi

la strinsi e si sciolsero le ginocchia

sciolsi la vita e mi si strinsero le ginocchia

così non ho più gambe per andare

sono albero solo io, adesso, storto

eppure ho scelto ancora la tua terra

Penelope è partita il giorno dopo aver rincontrato quell'Ulisse che attendeva ad Itaca. E' lei a lasciarlo solo e io ho voluto dare voce ad un eroe che non è più omerico, ma è semplicemente debole e disperato - forse più umano.

Simone di Biasio

AURORA COPPOLA

ALLA PANCHINA –UNA STORIA D’AMICIZIA

Aletti editore, 2016

Tempi moderni, tempi moderni. Quelli che sembrano non risparmiare nessun promettente personaggio, età e ceto sociale azzerati in un faticoso destino condiviso. Aurora Coppola racconta i tempi moderni nelle loro emarginazioni e riscatti semplicemente umani nel romanzo Alla panchina, cadute e riprese che cesellano il quotidiano. Vale per Andrea, adolescente in balia delle sue ansie e delle incapacità di chi lo circonda nel nome di scuola e famiglia. Vale per Vincenzo, barbone per scelta dopo il fallimento di una brillante carriera di avvocato. Turbamenti e ricordi dei due si incontrano per caso sulla panchina di giardini metropolitani. Sarà questo il palcoscenico d’elezione per le conversazioni fra il ragazzo e l’uomo, sarà questa la stazione di scambio delle vicende che condividono. La saggezza offuscata e tossica di Vincenzo incontra le inquietudini declinate al suicidio di Andrea, e proprio su questi fili si tesse la loro amicizia senza filtri ne’ etichette. Il loro continuo cercarsi e venirsi in aiuto corrisponde alla ricerca di una identità da mettere a fuoco, tanto più difficile per le vicende da cui entrambi provengono. Sono due outsider di differente estrazione, ma accomunati dal segno di un fallimento che altro non è se non il primo passo per prendere coraggio e proseguire a rotta di collo. Fra incidenti e atti folli si snoda un dialogo popolato di annotazioni, rimandi, sogni , apparizioni. Aurora Coppola ha scritto un romanzo di formazione e di approdo al tempo stesso, lasciandoci indelebile il senso compiuto di un incontro umano anzi umanissimo. Così esemplare in questi tempi moderni.

Elisabetta Beneforti

FERNANDO LENA

LA QUIETE DEI RESPIRI FONDATI

siete il nulla

sotto il sole apatico

di questa trincea

Lungo i movimenti di questo poemetto,in parte edito in parte ancora inedito, Fernando Lena ci offre il documento di un’esperienza umana prima ancora che letteraria. I mesi da lui passati nel manicomio criminale di Aversa – in un padiglione concesso per la riabilitazione  dalle tossicodipendenze – vengono ripercorsi più che raccontati con le istantanee di volti, di nomi, di oggetti. La parola poetica si aggira fra celle e corridoi, attraverso circostanze sia personali che impersonali. Perché in questi luoghi il tempo si è fermato, le ore equivalgono ad anni così come i minuti si allargano in vite intere. Ne La quiete dei respiri fondati non c’è bisogno di alludere o di rincorrere simbologie. Ogni metafora della statica poesia “di scuola” è subito allontanata per far posto a un’elegiaca consapevolezza di sbandamenti e di allucinazioni, che non mendica compassione ma si consegna all’affrancamento, al rispetto. Si segue allora l’urgenza del dettato, le parole che ci dicono di un’umanità appiattita e sfumata tuttavia ancora umana nei suoi sentimenti o in quello che ne resta. Quella di Lena è poesia lirica perché manifestazione dell’io narrante, e al contempo poesia civile in quanto espressione e testimonianza di un sociale lasciato ai margini. Un’autenticità che ci ricorda l’esperienza poetica di Eros Alesi, per il quale Antonio Porta scrisse “…la poesia ha interagito con la nostra storia, senza diaframmi. Va detto che un tributo necessario al fare poesia lo paga sempre anche il corpo di chi scrive.” 

Fernando Lena, LA QUIETE DEI RESPIRI FONDATI, I quaderni dell'Ussero, 2014

E. Beneforti

I

siete il nulla

sotto il sole apatico

di questa trincea.

Chiusi come bestie

ogni giorno

ascoltate i passi

per capire dov’è

l’inizio dell’abisso…

a volte è una certezza

essere domati dalla follia

o solo un incubo

che vi abbraccia

con camice interdette

stritolandovi di silenzio.

VII

Milena fissa il sole

come se lo stesse invocando

per una scottatura esilarante

vuole essere cenere

sperando che il vento

la soffi fuori..

superata la cinta

pensa… che ci sia

un mondo emozionato ad attenderla

fuggire vorrebbe

o vivere volando

come un’affascinante strega

risucchiata da una vertigine

                                      di diossina…

ma quel diritto di sognare

la opprime già

nei minuti in cui si dà

come una ninfa…funebre

nell’apice di ogni orgasmo.

VI

La notte scrive vite disordinate.

Tra gli incubi delle pareti

qualcuno cerca la parola per il disgusto,

c’è chi l’attende dal viaggio

melmoso di uno scarafaggio

o chi fissando la didascalia di un ragno:

lei però rimane

soffocata dalle bestemmie

non va oltre la sacralità

di un paesaggio picchiato.

XI

Un paradiso indecente

lo immagino adesso

questo cuore di cinta

con le emozioni

alte a gridare

mura che non ci fanno

vedere altrove la morte

conquistata ogni giorno:

qui tra di voi e la mente

spinta alla sonnolenza

la logica dei potenti

numera i corpi in terapie

e questi escrementi

sono l’ambizione certa

dell’orrore che da sempre

abitate sanguinando.

XII

(scatta foto Eusebio

con una macchina senza rullino

lo fa per essere quello che è stato

moltissimi anni fa,quasi un ottimo fotografo

che a forza di guardare la realtà

è inciampato sui confini del caos.

Ora sorridente immortala

un lago in una chiazza di piscio,

poi offre giovinezza

con un primo piano di rughe

dimostrandoci un nuovo punto d’estasi.

Per lui ci mettiamo in posa

confusi di tanta immortalità)

Fernando Lena è nato a Comiso in Sicilia nel 1969. Diplomato all'Istituto d'arte, vive e lavora nella stessa città. Ha pubblicato diversi libri di poesia, tra i quali il più importante è l'ultimo dal titolo Nel rigore di una memoria infetta (Edizioni Archi Libri, Comiso). Quest'opera arriva dopo un silenzio editoriale di quasi dieci anni.

Annamaria Ferramosca, Trittici, il segno e la parola, Dot. com Press.

Trittici

di

Annamaria Ferramosca

A volte, all’improvviso, sulla linea pura dell’orizzonte si aprono fenditure. Il poeta si avvicina: il respiro si allarga, le palpebre si stringono nella percezione di un precipizio ancora inesplorato. È un viaggio senza garanzie. Biglietto di sola andata. Al ritorno, se ciò avverrà, si sarà diventati altro.

Annamaria Ferramosca, ciclicamente, riparte.

Lei lo capisce quando il tempo dell’attesa è compiuto, il tempo che è stato necessario per ricomporre le novità dell’ultima faticosa conquista in un sistema di senso sottilmente rinnovato, intimamente arricchito. Nulla di codificato o determinato dalle mode letterarie. Annamaria  sa che la sofferenza dell’impresa si giustifica solo se la vita è in pericolo.

Allora il suo viaggio ricomincia, lì dove il focus della visione si appanna ed è necessario cercare nuovi punti di osservazione. Le approssimazioni si susseguono nell’ipotesi di quel punto dove la solitudine della ricerca si coniuga miracolosamente con l’incontro.

Non è stato facile, nella babele delle immagini che rende la nostra cultura un folle labirinto, non è stato facile distinguere il richiamo di quell’opera d’arte figurativa- quel segno, quindi – che, pur profondamente compiuto, ancora offra spazio a nuove relazioni. Annamaria Ferramosca si accende alla suggestione di figure antiche e nuove per dialogare con esse, attraverso di esse. Un gioco già giocato, si può osservare. Certamente è lunga la tradizione della scrittura legata all’opera figurativa e viceversa. Ma è appunto questa la sfida: esporre il proprio io al contagio di un altro io perché scaturisca un noi senza precedenti, una pluralità umana solo transitoriamente oggettivata nella figura creata dagli artisti.

Nella cornice i volti attraversano il tempo, indifferenti. La loro vita è legata allo sguardo di chi passando si lascia catturare. I rapporti falliscono … perché abbiamo smesso di immaginare dice James Hillman (in La forza del carattere). E Annamaria non smette di immaginare, rilancia sulla relazione e fa rivivere il segreto dei volti dipinti, lo coglie nella vibrazione silenziosa che si propaga da quei corpi e precipita nella sua esperienza di donna e di artista. I percorsi si sovrappongono, si confondono. L’arbitrio regna sovrano. Ma non c’è ricostruzione biografica o filologica che possa creare quella verità di cui solo la parola poetica si fa portatrice.

Con Trittici l’incontro tra le due arti genera un terzo vertice, una tridimensionalità nata necessaria da quel bisogno di circolarità, contiguità tra le forme del dire, del fare, dell’essere. La ricerca delle co-incidenze, tanto cara ad Annamaria, la natura visionaria dell’impasto verbo visivo  si esprimono nel dono e nel rischio di quel testo poetico che espande le primitive istanze in una dimensione imprevista. Il terzo vertice è saldo appoggio a un nuovo possibile piano mitopoietico.

Le donne di Cristina Bove, Antonio Laglia, Amedeo Modigliani, gli autoritratti di Frida Kahlo sopravvivono al loro autore. L’intenzionalità dell’artista è quasi sempre ipotesi remota, ma la loro vitalità si riaccende nelle storie di nuove donne, nuovi esseri umani che con loro si relazionano in un rapporto di complicità quasi animale, come fa Annamaria Ferramosca.

Il tradimento è rivelazione.

La dislocazione è rischio necessario per non appassire sui territori friabili che la critica di mestiere o la poesia d’occasione hanno già troppo a lungo dissodato.

Le donne in cornice, per bocca di Annamaria parlano e raccontano ciò che le donne reali forse non hanno detto mai: pudore, vergogna, desideri, rassegnazione, forse solo per impossibilità di dire, o incapacità di capire.

O forse sono solo fantasie, vere anche se irreali, come sono veri i romanzi che danno un nome alle cose della vita.

E poi nulla è più come prima.

È un biglietto di sola andata.

Maria Teresa Ciammaruconi

FRIDA KAHLO

capitano son capitano

in bianca livrea    una dea

e la ciurma è

ipnotizzata invaghita

mi assorbe mi brancica

occhi carbone all’unisono persi

sul mio profilo  irriducibile

non si replica un visoabisso 

labbra serrate sul non detto

nell’umore di foresta nel

fogliame largo che mi sfolgora

la bella carne e l’effimero

che tormenta    vela

di lontananza  le pupille 

negra corona sul capo  intrecciata

 in forma d’infinito schiavo amore 

 negro tetto di ciglia sovrappensiero  

occhiuragano  impenetrabili

* probabilmente le scimmie simboleggiano i suoi  allievi

minuscola ma    ferocemente centrale

               una donna

in cammino sul pianeta sfigurato

- quiete dopo l’apocalisse -

la terra le sta chiedendo una rinascita

ora che la luce è tornata a splendere

lei risponde come fa una madre

che cerca un riparo per il parto

ripete la sua marcia preistorica

dal cerchio di Stonehenge verso

il fulgido che squarcia gli orizzonti

lei cammina verso un futuro antico

-  intorno le voci risuonano nuove

il cuore sempre uguale -

lei dimentica

ogni colpa ogni miseria

ho ancora semi da salvare

bestiame da ricoverare

ricomincerò con le sorgenti con i boschi

e il lago ai suoi piedi gorgoglia vita

racconta di come acqua e terra si amano

disegnando anse lungo i fiumi

lei sente l’erba che nel bere trema

sapendo che al rigoglio seguirà la fine

eppure sorride dell’effimero

so di vivere solo per rinascere

filo d’erba o forse gazzella o tortora

fino a che s’alterneranno giorno e notte

lei continua a lasciar traccia dei rifugi

 ponti passaggi tagli

testimone testarda di albe nuove   possibili

  © Annamaria Ferramosca, ® vietata ogni riproduzione e/o uso del testo

              ANNAMARIA FERRAMOSCA

Nata aTricase, da molti anni vive a Roma, dove, in contemporanea con la dedizione alla scrittura poetica,

ha lavorato come biologa nutrizionista nella ricerca. Ha ricoperto l’incarico di cultrice di Letteratura italiana

all’Università Roma3. Fa parte della redazione del portale poesia2punto0.com, dove cura la rubrica Poesia Condivisa,

di cui è ideatrice. Ha pubblicato nove raccolte di poesia, tra cui la più recente è la plaquette d’arte

Trittici—Il segno e la parola, Edizioni dotcomPress.

E’ del 2014 Ciclica, La Vita Felice, collana Le voci Italiane,  con introduzione di Manuel Cohen.

Nel 2009 le è stato pubblicato, da Chelsea Editions di New York, il volume antologico bilingue

Other Signs, Other Circles –Selected Poems 1990-2009, per la collana Poeti Italiani ContemporaneiTradotti,

con introduzione e traduzione di Anamaría Crowe Serrano.

          Altre sue raccolte edite: Curve di livello, Marsilio, collana Elleffe, a cura  di Cesare Ruffato, 2006, riedito

in ebook nel 2014; Paso Doble, dual poems a quattro mani in italiano e inglese, coautrice Anamaría Crowe Serrano,

Empiria, 2006, traduzione di Riccardo Duranti; Porte / Doors, Edizioni del Leone, con prefazione di Paolo

 Ruffilli e traduzione di A. C. Serrano e Riccardo Duranti, 2002; Porte di terra dormo, plaquette, Dialogo Libri, 2001;

 Il versante vero, Fermenti, con introduzione di Plinio Perilli, 1999, riedito in ebook nel 2015.

Nel 2011 Gianmario Lucini cura per le edizioni puntoacapo  il quaderno monografico La Poesia Anima Mundi,

con la silloge Canti della prossimità e con cd di letture dell’autrice.

       Inclusa in numerose antologie, Annamaria Ferramosca è presente nel portale di poesia poesia2punto0.com con il

Quaderno di Poesia n.67. 

       Numerosi suoi testi sono apparsi in siti web di settore, come la dimora del tempo sospeso, blancdetanuque,

poetry-wave-senecio, carte allineate, la poesia e lo spirito, arcipelagoitaca, l’estroverso, fili d’aquilone e su riviste italiane

(Poesia, LaClessidra, La Mosca di Milano, Le voci della Luna) e, tradotti, su riviste straniere( Gradiva, Italian Poetry Revue, Fire,

Salzburg Revue, Poezia, Poiein)

       E’ voce registrata e inclusa nell’Archivio delle voci dei Poeti di Firenze. Nel 2015 ha partecipato, su invito della

Fondazione Roma, alla 9^edizione dell’evento internazionale Ritratti di Poesia 2015.

      Finalista ai Premi Camaiore, LericiPea e Pascoli., è vincitrice, tra gli altri, dei premi Astrolabio, Guido Gozzano

e Renato Giorgi.

       Suoi testi sono stati  tradotti oltre che in inglese, in romeno, greco, francese, tedesco e albanese.

      Ha curato di recente la versione poetica italiana di testi del poeta romeno Gheorghe Vidican nel libro

3D – Gheorghe Vidican—poesie 2003-2013, CFR, 2015. Per quest’opera è stata insignita del Diploma di

Eccellenza dal Ministero della Cultura di Romania.

L U C A   A R I A N O

ERO ALTROVE

I luoghi sono vivissimi, se ne sentono gli odori di benzina e caffè come i rumori quotidiani appena percettibili. Campagne e colline hanno la presenza di un momento di vita e bellezza, poi si dileguano in altri paesaggi in altre parole. Con il suo ultimo lavoro Luca Ariano ci consegna ben più di una raccolta  come  semplice insieme di poesie datate entro un certo periodo. Ero altrove racchiude persone e personaggi nel corso delle loro storie, che sono storie reali e presenti. Anna e Teresa come l’Emilio e l’Enrico, Fiulin e altri volti che senza nome si affacciano nei dintorni. Non si raccontano dei fatti in versi, quanto si illuminano dei momenti colti in tutta la loro gioia o in frammenti  più dolorosi. Saranno forse questi tasselli a ricomporre delle vicende, ma non sembra essere l’elemento che maggiormente colpisce noi lettori. Ha più rilevanza la sospensione poetica del narrato, quei vuoti che restano fra un testo e il successivo. Ariano accosta certi gesti e certi sguardi per presentare un mondo senza nostalgie, senza sbavature. Documenta le voci come fossero registrate - esplicite o mormorate fra le righe – cui aggiunge alcuni “fermo immagine” che valgono un’intera narrazione. Prima ancora che poesia civile, questa è poesia dell’uomo che racconta di cadute e riprese, di smacchi inevitabili e destini assuefatti, di scommesse e di sogni. Un’affabulazione documentaria che si fa canto e che  a lettura conclusa ci fa ripartire  di nuovo dalla prima pagina.

E.B.

Passeggi sul lungomare

con sguardo forestiero

ma da lì viene il tuo sangue:

c’è ancora  l’addore’e mare,

di cordami nell’acqua

dove si sedimentano civiltà,

tracce di epoche sfumate.

Tuo padre volto di fame

da dopoguerra e un sorriso

ragazzino mangiando frutti di mare;

li vedi ora contaminati gettati

sulla panchina con malagrazia

tra munnezza e navi in partenza.

Dici che lui rinnega la sua terra

ma anche l’Andrea vorrebbe un figlio

con stipendi da sottoproletario…

non ci fossero mamma e papà…

Anche Teresa non lo crescerebbe qui

senza lo stesso sapore di salso,

di macchia mediterranea,

mentre spedisci cartoline

come un gesto antico.

Da una collina, accanto al cimitero,

un poeta osservava il mare…

case di pescatori e scriveva…

scriveva… scriveva.

Ora quelle case sono una selva

di paraboliche,

un xiringuito vicino a bianche mura;

chi abiterà palazzi su palazzi

sfitti in una calda estate?

Teresa e Fiulin di treno in treno

Tra dimore un tempo splendenti:

ora odore di soffritto e rumore di stoviglie.

Di notte urla ubriache in bar disoccupati:

dello sguardo del poeta rimangono

solo impressioni… parole…versi.

El lent record dels dies

Que son passats per sempre.*

*Il lento ricordo dei giorni/che sono passati per sempre (Salvator Espriu)

Un giorno di papaveri nei campi,

di pappi nell’aria di neve

e Anna – nome da partigiana Rosa –

non voleva essere una donna

della famiglia fascista:

balzando tra i castagni ha visto

montagne abbandonate e boschi

dimenticati anche dai funghi.

Non più cascine, solo agriturismi…

Buffalo Grill e Road House:

periferie come Togliattigrad

e puttane alle stazioni di servizio.

Fiulin s’è sporcato le scarpe di fango

Senza un passo che consume le suole

In un’epoca da Basso Evo

-senza esser stato Impero-

Teresa come in Georgia

e la nostalgia dei capelli:

l’odore delle margherite la domenica

si confonde tra crema e aroma.

LUCA ARIANO, ERO ALTROVE, Dot.com Press, 2015

Paola  Ballerini

Nell'arcipelago cresce l'isola

Raffaelli Editore, 2009

Questa prima raccolta di Paola Ballerini ( vincitrice del premio ClanDestino opera prima) è scandita da epifanie e sospensioni del tempo, incanti silenziosi di paesaggi . Il corpo gioca un ruolo importante sia nella sua forza che nelle sue debolezze e la natura lo accompagna fedele come una carezza. Un bel percorso di 'fermo immagine' lirico per decifrare gli oggetti come le parole.

L'ospite

Sono io l'ospite

di queste sotterranee dimore,

di questo tempo

opaco,sconosciuto,

che arriva nebbioso

a confondere le carte.

Dopo l'esitazione che mi accorcia

il respiro mi risveglio

sprovvista di pronostici.

Nelle direzioni

cardinali e secondarie però

la vita continua a soffiare

le sue raffiche

di noncurante bellezza.

Ora

é un esercizio così elementare

stare bene.

Lo sanno fare gli animali,

anche i più piccoli

e inarticolati organismi.

Mentre noi soffriamo

la mancata presenza,

senza cogliere l'abbondanza

elargita adesso.

Alimentiamo l'impulso

a respingere con dolore

il dolore,

come fosse l'ultima parola,

moltiplicando

la pena di essere vivi,

dissipando

la trasparenza del presente,

istante che non replica.

La ritirata

Il corpo refrattario,

messo al bando

non si dipana più

matassa viva.

Da troppo tempo

non giunge l'onda

a lambire la carne,

disseminata ora

di invisibili interstizi di assenza

e ineluttabile caparbietà.

Il corpo cede solo

all'avanzare del tempo,

altrimenti resiste

muro del pianto,

stele in memoria dei caduti,

casa evacuata,

inutile recinto

dopo la fuga

dell'animale più mite.

Dentro l'iride radici

CoazinzolaPress,2014

La lirica pura a asciutta di Paola Ballerini riavvia il suo percorso dove si era fermato in Nell'arcipelago cresce l'isola. L'epigrafe di Paul Celan è più che un'indicazione per procedere, vera suggestione per la versificazione. Si guarda alla natura per cercare e conservare le radici, accudirle nella vita e nella parola. Il corpo compie un passo oltre per arrivare ad altre voci che si mescolano composte. é una ricerca di arcani in divenire con rimandi alla Bibbia nella prima parte della raccolta, rimandi più simbolici della condizione umana che afflati religiosi.

GIOVANNA  FRENE

TECNICHE DI SOPRAVVIVENZA PER L’OCCIDENTE CHE AFFONDA

Con sei immagini di Orlando Myxx

Arcipelago Itaca,2015

L’occhio guarda dritto in faccia il passato, sa che il futuro lo attende alle spalle. Non c’è modo che l’osservazione sia chiusa in se stessa perché è polarizzata sulla lettura di ciò che è stato, di quanto è avvenuto. Noi e i nostri giorni siamo assolutamente determinati da questo e se non sfuggiamo almeno possiamo cercare di capire. Giovanna Frene esplora tracce di eventi di uno ieri più o meno lontano per dare avvio a un percorso tutto quotidiano, necessariamente in fieri e continuo. C’è conoscenza, c’è ricerca, c’è desiderio di comprendere e agire. Tecniche di sopravvivenza per l’occidente che affonda è una raccolta poetica singolare composta da poesie e sestine che delineano il primo corpus di un lavoro più completo a venire. Ma già qui si possono vedere ben delineate le coordinate del suo personale dialogo con la Storia. A farlo scaturire è la figura del nonno soldato nella Prima Guerra Mondiale, idea poi dilatata al secondo conflitto dove protagonisti sono stati i suoi genitori. Allora la Storia si fa allegoria della storia individuale della Frene e la scrittura diviene il mezzo ineludibile per aprire cartelle di immagini e per reperire riflessioni utili. Tutto questo vale per raccogliere testimonianze, ora frammentarie ora centrate e messe a fuoco. Allora la Storia “è il luogo dove si esprime la massima presenza del nulla che ci assedia” e la poesia stessa prende la forma di rappresentazione storica. Se l’orientamento nel presente è difficile, tanto ricordare e decifrare il passato accompagna i giorni. La poesia civile si contamina con andamenti lirici e evocativi, ma rimane asciutta e ferma. La sostanza è dentro l’occhio / ma l’occhio è di vetro.

E. B. 

I.

si sovrappongono, sembrano a tratti coincidere, si proiettano

a poco a poco, in tutta la perfezione si curvano

mattoni di fumo, o colpe riversate

per non essere proprie, crollate

perché alte e gonfie. piove nero, ad arco.

ma non è così.

IV.

perché nemico germogli a nemico, di notte si sostituisce

si condensa in alto, appare come scuro cavaliere che cavalca

se stesso: fabbrica bene chi fabbrica per ultimo, approfittando

del cambio di azione, lo scopo non cambia mai, se piove

se dio vuole, invece non piove, no, ma la terra

non è salvata, la carta, sfigurata.

VI.

:che si solleva da sola, per la testa e

che è un arrovellarsi di cerchi, con scarsi

risultati, che è una impotenza tolta

e rimessa per sempre, come un peccato, che è

infinita sete, che è pioggia che non piove

piovuta una volta per tutte

                                    in odio

STENDITI A TERRA – SESTINA DI CRIMEA

tutto ciò che si sapeva

rimarrà come eredità

……come spesso gli uomini singolarmente intelligenti, aveva un numero limitato di idee

un numero limitato di supposizioni,per ogni singolo soldato steso a terra:

rifare il campo di battaglia,se non si può proprio tutta la guerra,girare

al largo da queste vere carogne repellenti,ricreare da vicino se non il morbo

del vero il vaccino del veritiero:fare la carogna per intero,in sostanza,

dare la notizia non della mattanza,ma della “bellavista”:

vedi che il braccio non sia fuori linea retta con la testa rotta,assesta

il colpo definitivo al cavallo centrale,centra la vera carne

malata,prima che infetta:una degenerazione veramente battagliera

di una schiera di inermi frantumati,a sfondo perduto,una quinta di fondamento

per una storia fotografica del genere umano davvero alla mano:

quello che raccolto ora,sanguina,dal bordo della scena

[su come nell’Ottocento si ricreavano a posteriori i campi di battaglia per fotografarli]

Francesco Randazzo

Tu non sai da dove vengo

Meridiano Zero editore – collana MZlab

“Devo andare a casa in via Canfora,91.Mi ci porta?”. Da qui ha inizio lo scontro-incontro fra un anziano fortemente confuso e il giovane che gli dà un passaggio. Nel suggestivo arco temporale che va dal pomeriggio all’alba si snoda questo particolare on the road in una Catania dai contorni vivissimi e surreali insieme. Tu non sai da dove vengo è un romanzo che vale come un atto unico teatrale, in cui storia pubblica e storie private si incrociano continuamente. Luci-ombre nel gioco intrigante fra dialoghi e monologhi dei due protagonisti, l’anziano in fuga verso la morte il giovane inaspettatamente catapultato in una ricerca di identità. Francesco Randazzo intreccia le loro vicende parallele in alcuni luoghi deputati che da soli valgono un’intera narrazione – la tangenziale,il cimitero,il mare, l’Etna… tutti variamente interpuntati da testi di canzoni e poesie. Un intero immaginario collettivo che vale  tanto come una sorta di colonna sonora  ai fatti raccontati quanto maggiore coinvolgimento del lettore. Immancabili riferimenti eccellenti ,insomma, per una storia sospesa nel tempo e nei luoghi che sembra non trovare una conclusione nemmeno all’ultima riga. Anzi, oniricamente è pronta a riavviarsi. Una lingua quotidiana al limite del gergo e del dialetto, insieme alla scansione piana dello stile, ci accompagnano in questo viaggio realistico e sognante. La vera vita è altrove?

GUGLIELMO APRILE

Alcune pagine del libro

Guglielmo Aprile vede nella poesia un grido profetico, un

gesto di ribellione, un manifesto per una paligenesi spirituale.(...)

L'uomo (...) è un figlio dell'universo, di un universo visto nel suo misterioso essere in perenne movimento e mutamento, come lo vide Williamson Blake, con una mano remota che comanda alla vita di schiudersi e perpetuarsi.

(...) Questa è una poesia epica. Di un visionario che sogna un mondo diverso, che capisce che soltanto una utopia sconvolgente e ancora inconoscibile sarà la salvezza della Madre Terra e di una umanità discesa verso l'inferno del non senso, del nichilismo, del distacco dalla natura, dal mistero, dalla sacralità, dalla bellezza.(...)

Giuseppe Conte

 Dalla prefazione a Nessun mattino sarà mai l'ultimo.